Popularne Objave
20 umjetnica koje trebate znati
Getty Images Uz pomoć Kat Widing, mlađe specijalistice u poslijeratnom i suvremenom odjelu Christie'sa, BAZAAR.com putovanja kroz povijest kako bi odabrala 20 umjetnica koje su zauvijek promijenile svijet umjetnosti.
Oglas - Nastavite čitati u nastavku
Getty Images Potpuno samouka, Élisabeth Louise Vigée Le Brun postala je umjetnica unatoč velikim zaprekama (kao i svaka žena u Parizu krajem 18. stoljeća) i bila je aktivna tijekom nekih od najburnijih vremena u europskoj povijesti. Intervencijom Marie Antoinette primljena je u Francusku akademiju u dobi od 28 godina kao jedna od samo četiri ženske članice. Vigée Le Brun posebno je hvaljena zbog svojih simpatičnih portreta aristokratskih žena, koji su smatrani prirodnijima od djela njezinih suvremenika. Prisiljen pobjeći iz Pariza tijekom revolucije, umjetnik je putovao cijelom Europom, impresivno dobivajući provizije u Firenci, Napulju, Beču, Sankt Peterburgu i Berlinu prije nego što se vratio u Francusku nakon što je sukob riješen.
napad na titana sezona 3 2 dio izdanje
Na slici: Élisabeth Louise Vigée Le Brun, Autoportret u slamnatom šeširu (1782.).
Getty Images Jedna od tri umjetnice i jedina Amerikanka koja je službeno povezana s impresionizmom, Mary Cassatt bila je i neprocjenjiva savjetnica, pomažući u upoznavanju europske umjetnosti s glavnim kolekcionarima u Sjedinjenim Državama. Cassatt je čvrsto vjerovao da slikarstvo treba odražavati suvremeni život. Njezina moderna žena stručno je izvedena na slici 1878. godine U Logi , prvo impresionističko djelo koje je umjetnik izložio u Sjedinjenim Državama. Mnogi su muški umjetnici žene u kazališnim ložama prikazivali kao izložbene predmete, ali Cassattina ženska protagonistica igra dinamičnu ulogu angažirana u činu gledanja. Unatoč tome, prevladava muški pogled, dok u daljini sijedi kazališni gledatelj bulji izravno u nju svojim dvogledom. Kao gledatelji i promatrači dovršavamo krug.
Na slici: Mary Cassatt, U Logi (1878.), MVP Boston.
Getty Images Tek kad je muzej Guggenheim bio domaćin velike ankete o svom radu, Hilma af Klint konačno je široko prepoznata kao istaknuti pionir apstraktne umjetnosti; njezini najraniji apstraktni sastavi dovršeni su godinama prije skladbi Wassilyja Kandinskog, Kazimira Maleviča i Pijeta Mondriana. Na uvid od listopada 2018. do travnja 2019., ' Hilma af Klint: Slike za budućnost , 'predstavio je niz velikih, svijetlih, pomalo čarobnih apstraktnih djela i ostaje najposjećenija izložba Guggenheima ikad.
Af Klint, rođena u Stockholmu, pohađala je gradsku Kraljevsku akademiju likovnih umjetnosti, diplomirala 1887. godine i postala poznata po svom figurativnom radu i služila kao tajnica Udruženja švedskih umjetnica. Za to su vrijeme spiritizam i teozofija dobili zamah dok su ljudi, uključujući i Klinta, tražili način za pomirenje religije s brojnim novijim znanstvenim napretkom. Ti su sustavi vjerovanja nadahnuli njezinu prvu glavnu skupinu nefigurativnog, neobjektivnog rada. Nazvan Slike za hram, 193 slike nastale su između 1906. i 1915. i istraživale dualističku percepciju stvaranja, evolucije i svemira. Klint je trebala biti instalirana u spiralnom hramu, a af Klint je naredio da se radovi ne pokazuju tek 20 godina nakon njene smrti. Te su slike, zajedno s nekim od njezinih ranijih djela, činile glavninu izložbe u Guggenheimu - spiralnom svetištu samo po sebi.
Na slici: Hilma af Klint, Deset najvećih, br. 7, odrasla dob (1907.).
Getty Images Osobna figura američkog modernizma, 1915. Georgia O'Keeffe bila je jedna od prvih američkih umjetnika koja je stvorila čisto apstraktno umjetničko djelo, za razliku od dominantnog pokreta američkog realizma. U Glazba, ružičasta i plava od 1918. O'Keefe apstrahira cvjetnu temu s ekstremnim obrezivanjem, stvarajući luk s šarenim laticama koje bruje glazbenom energijom sugeriranom naslovom. Teorije ruskog umjetnika Wassilyja Kandinskog djelomično su nadahnule O'Keeffea da istraži 'ideju da bi se glazba mogla pretočiti u nešto za oko', kako bi postigao čisti izraz bez drugih vanjskih referenci.
Na slici: O'Keeffe pozira sa Serija zdjelica Crvena sa žutom (1945.) u Albuquerqueu, Novi Meksiko, 1960. godine.
Getty Images Kiparica koja je zasigurno povezivala s Harlemskom renesansom, Augusta Savage također je bila utjecajni učitelj i aktivist zagovarajući jednaka prava Afroamerikanaca u umjetnosti. Rođena u blizini Jacksonvillea na Floridi, Savage se 1921. preselila u New York, da bi studirala umjetnost u Cooper Unionu, premlativši 142 muškarca na listi čekanja za njezino mjesto na fakultetu. 1923. Savage se prijavila za ljetni umjetnički program koji sponzorira francuska vlada, ali je na kraju odbijena zbog svoje rase. Tako je započela njezina cjeloživotna borba za demokratizaciju i izjednačavanje umjetnosti. Jedno od njezinih prvih narudžbi, bista W. E. B. DuBoisa za knjižnicu Harlem, dobro je primljeno, a Savage je nastavio kipariti druge afroameričke vođe, uključujući Marcusa Garveyja i Williama Pickensa starijeg.
1929. njezina skulptura djeteta iz Harlema, Dijete , stekla je široko priznanje i pomogla joj osigurati stipendiju za studij na Academie de la Grande Chaumiere smještenoj u Parizu, gdje je izlagala svoja djela i osvajala brojne nagrade. Savage se vratila u Sjedinjene Države 1931. i pokrenula Savage Studio za umjetnost i obrt, koji je 1932. postao Centar umjetnosti Harlem Community. Dvije godine kasnije, postala je prva afroamerička umjetnica izabrana u Nacionalno udruženje žena Slikari i kipari. Do kraja svog života umjetnica je nastavila stvarati revolucionarna djela - bila je jedna od četiri žene koje su dobile proviziju sa Svjetske izložbe 1939. - i svoje je vrijeme posvetila podučavanju umjetnosti onima oko sebe.
Na slici: Augusta Savage radi na komadu, New York, NY, 1938.
Getty Images Žestoke autoportrete Fride Kahlo na kojima su prikazani njezini ikonski smjeli obrve i brkovi André Breton, utemeljitelj nadrealizma, svojedobno je opisao kao 'vrpcu (e) oko bombe'. Zaista, Kahlove su slike istovremeno zavodljive i suprotstavljene. U filmu 'Dvije fride' (Las dos Fridas) iz 1939. godine, završenom nedugo nakon Kahlovog razvoda od meksičkog muralista Diega Rivere, Kahlo prikazuje svoje dvije osobnosti - jednu u tradicionalnom kostimu Tehuane slomljenog srca, a drugu u modernoj haljini, neovisnu, punim srcem. Kahloino neprestano prepravljanje i raslojavanje vlastitog identiteta bio je važan prethodnik politike identiteta i nastavlja nadahnjivati umjetnike i danas.
Na slici: Frida Kahlo, Dvije Fride (1939.),izložen 2007. godine.
Getty Images Louise Bourgeois, rođena u Parizu od roditelja koji su vodili posao restauracije tapiserija, odrasla je pomažući im u radionici, ispunjavajući nedostajuće dijelove dizajna prikazanih na tapiserijama. Iako je studirala matematiku i geometriju na Sorboni, na kraju se vratila umjetnosti baveći se grafikom, slikanjem i kiparstvom velikih razmjera tijekom svoje duge i raznolike karijere. Iako formalno nije bila povezana s nekim određenim umjetničkim pokretom, u svom je radu izlagala apstraktne ekspresioniste i istraživala teme uključujući usamljenost, ljubomoru, ljutnju, seksualnost i nesvjesno.
zabranjeno umiranje zbog ljubavi ljubavi ili obitelji
1982. godine, u dobi od 70 godina, Bourgeois je napokon dobila svoj trenutak da zablista kada je Muzej moderne umjetnosti izložio retrospektivu svog djela, na kojoj su se nalazile zgrčene ljudske figure ovješene o žice; kreacije od tkanine izrađene od njezine stare odjeće; i ogroman skulpture pauka , kojeg se danas najbolje sjeća.
Na slici: Louise Bourgeois, Mama (1999), fotografirano u Hamburgu u Njemačkoj 2012. godine.
Shutterstock Agnes Martin, često povezana s minimalističkim pokretom, postojala je u svojoj ligi i prkosi lakoj kategorizaciji. Intenzivno privatno i duhovno, Martin je objasnio da su joj slike došle u potpunosti u formi, veličine poštanskih maraka, koje bi pretočila na velika platna. Blistava zlatna ikona, Prijateljstvo iz 1963. nevjerojatan je primjer umjetnikove sjemene mrežaste slike. Martinove nježno urezane linije, naizgled savršene, ali nakon pomnog pregleda prožeta osjećajem ljudske ruke, stvaraju beskrajno polje tajnovite kvalitete - utjelovljenje transcendentne smirenosti. A retrospektiva Martinova djela otvara se u Guggenheimu u New Yorku u listopadu 2016. godine.
Na slici: Agnes Martin, Prijateljstvo (1963.), izložen u Tate Modern u Londonu 2015. godine.
Getty Images Umjetnica i romanopiska poznata po svom nadrealističkom radu, Leonora Carrington rođena je u Ujedinjenom Kraljevstvu i studirala je slikarstvo na Umjetničkoj školi Chelsea prije prelaska na Akademiju likovnih umjetnosti Ozenfant u Londonu 1936. Iste godine pohađala je Međunarodni nadrealist Izložbu je privuklo djelo njemačkog slikara Maxa Ernsta. Sljedeće godine njih su se dvoje upoznali na zabavi i započeli kratku romansu, zajedno živjeli u Parizu do izbijanja Drugog svjetskog rata, a tada su lokalne vlasti uhitile Ernsta i prisilile ga da bježi od progona. Pobjegao je u Sjedinjene Države uz pomoć Peggy Guggenheim, s kojom se kasnije oženio.
Ubrzo nakon razdvajanja njih dvoje, Carrington je hospitaliziran s mentalnim slomom i liječen snažnim lijekovima. Nakon puštanja pobjegla je u Meksiko, gdje se duboko nadahnula lokalnim folklorom, koji je uvelike ušao u njen rad. Njezine izrazito autobiografske slike sadrže reference na čarobnjaštvo, metamorfozu i okultno, prikazujući fantastična bića i uklete prizore. Tijekom 70-ih uključila se u Pokret za oslobođenje žena i dizajnirala poster s naslovom Ženska svijest , za tu svrhu 1973. 1986. godine osvojila je nagradu za životno djelo na konvenciji Ženskog kokusa za umjetnost u New Yorku za svoju predanost svom političkom radu.
Na slici: Leonora Carrington, Ovainova kušnja (1959.).
Christies Images / Bridgeman Images Djela Elaine Sturtevant (poznate pod prezimenom) izazivaju dvostruko traženje; ono što isprva izgleda poput slike Andyja Warhola ili Jaspera Johnsa zapravo je njezino vlastito djelo, prilagodivši forme i tehnike originala uznemirujućem stupnju točnosti. Od 1964. godine Sturtevant je prisvajala rad svojih suvremenika kako bi dovela u pitanje hijerarhiju spola, originalnost i autorstvo, kao i strukture umjetnosti i kulture. Zapravo, Warhol je čak pristao dopustiti Sturtevantu da koristi svog proizvođača ekrana za proizvodnju istog Marilyn ekrana koji je koristio u svom radu. Kao što se Sturtevant sjeća, kad bi Warhola pitali za detalje svog postupka, rekao bi ljudima da 'pitaju Elaine'.
Na slici: Elaine Sturtevant, Warholov diptih (1973.), prodao Christie's 2015. godine.
Getty Images Jedna od najslavnijih umjetnica u medijima okupljanja, Betye Saar istinska je ikona u sferi suvremene umjetnosti. Rođena u Los Angelesu, pohađala je Kalifornijsko sveučilište u Los Angelesu, diplomiravši 1947. godine, diplomiravši dizajn, ali strast prema grafičkoj djelatnosti. 1967. godine posjetila je izložbu pronađenih predmeta kipara Josepha Cornella koji su radikalno utjecali na njezinu umjetničku putanju. Počela je postavljati kutije za montažu vlastitim grafikama i crtežima te ih ispunjavati pronađenim predmetima, stvarajući komade koji su govorili o rasi i trenutnim događajima.
Nakon atentata na dr. Martina Luthera Kinga mlađeg 1968. godine, njezin je rad postao otvorenije politički i ekstremniji. Tijekom 1970-ih, Saar je bio član Pokreta crnih umjetnosti, sastavljen od pjesnika, književnika, izvođača i umjetnika koji su spojili aktivizam i umjetnost kako bi se suprotstavili bijelim strukturama moći i dali glas iskustvu crnaca. Njeno najpoznatije djelo, Oslobođenje tete Jemime (1972.) , ima lutku mamicu naoružanu puškom i granatom, spremnu za borbu protiv predrasuda, fizičkog nasilja i omalovažavajućih stereotipa nametnutih crnim Amerikancima. Kao Saar je objasnio , “Cilj mi je kao umjetniku stvoriti djela koja razotkrivaju nepravdu i otkrivaju ljepotu. Duga je doslovno spektar boja, dok je duhovno simbol nade i obećanja. '
Na slici: Betye Saar, Nevjeste ropstva , izložen na koledžu Saddleback u Mission Viejo, Kalifornija 1998.
Getty Images Proboj Helen Frankenthaler 'mrlja', Planine i more , od 1952. igrao je ključnu ulogu u prijelazu s grandiozne geste apstraktnog ekspresionizma na ravne, meditativne oblike slikanja Poljem u boji. Prvo i najvažnije kolorist, Frankenthaler je izlio limenke boje na sirovo platno, dopuštajući materijalu da upije nosač, tvoreći amorfne oblike. Kao žena apstraktnog ekspresionizma, Frankenthaler se probila kroz pokret kojim dominiraju muški i pustila da se čuje njezin vlastiti jedinstveni umjetnički glas. Njezin je rad trenutno dio dugo čekane izložbe pod nazivom 'Žene apstraktnog ekspresionizma' koja je otvorena u Muzej umjetnosti u Denveru u lipnju 2016. i putovat će u Muzej kovnice u Charlotteu i Muzej umjetnosti Palm Springs .
Na slici: Helen Frankenthalerc. 1956.
Getty Images Kraljica točkica, Yayoi Kusama bila je značajna sila avangardne umjetničke scene 1960-ih i nastavlja pomicati granice umjetničkog stvaranja - čak i u modu zahvaljujući svojoj nedavnoj suradnji s Louisom Vuittonom. Njezino 'događanje' tijekom 1960-ih bilo je prijelomno, posebno Vrt Narcisa iz 1966., koju je umjetnik izveo na svjetskoj pozornici na Venecijanskom bijenalu. Kusama, kojeg je financirao kolega umjetnik Lucio Fontana, na travnjaku je prikupio 1500 srebrnih kuglica - trodimenzionalnih točkica i ponudio ih na prodaju posjetiteljima za 1200 lira (dva dolara) svaka, kao kritiku komercijalizma svijeta umjetnosti.
Na slici: Yayoi Kusama, Vrt Narcisa (1966), izloženo u Chatsworth Houseu u Chatsworthu, Engleska, 2009. godine.
Donald Woodman Uz vlastiti omaž značajnim ženama iz povijesti, feministička umjetnica, autorica i odgojiteljica Judy Chicago otišla je znatno dalje u prošlost od Pariza s kraja 18. stoljeća. U Večernja zabava od 1974. do 1979. godine, Chicago je proizveo ikoničnu instalaciju u spomen na 1038 žena u povijesti, s vezenim natpisima za ulaz, ugraviranim podom i masivnim trokutastim stolom za bankete s postavkama mjesta za 39 žena, s gostima u rasponu od Iskonske božice do Georgije O'Keeffe. Trenutno smještena u Centru Sackler u muzeju Brooklyn, instalacija je središnje mjesto feminističke umjetnosti, nastale u ključnom razdoblju 1970-ih kada su se umjetnice sučeljavale s problemima roda.
Na slici: Judy Chicago, Večernja zabava (1974-1979), Brooklynski muzej.
Getty Images Samoprozvana baka izvedbene umjetnosti, Marina Abramović razvija svoju praksu više od pet desetljeća. Rođena u Beogradu, Jugoslavija (danas Srbija), od strogih roditelja koji su bili usko povezani s komunističkim režimom u zemlji, studirala je slikarstvo na Akademiji likovnih umjetnosti u Beogradu prije nego što je magistrirala na Akademiji likovnih umjetnosti u Zagrebu.
Počela je istraživati umjetnost performansa 70-ih godina, odustajući od platna i umjesto toga pretvarajući se u medij kako bi se bliže povezala sa svojom publikom. Uključujući performanse, zvuk, video, fotografiju i skulpturu, njezino djelo, koje se sastoji od dugih rutina koje je često dovode u fizičku opasnost ili bol, istražuje teme uključujući povjerenje, izdržljivost, čišćenje, iscrpljenost i odlazak, te prisiljava gledatelje da gledaju na dok ispituje granice svog tijela.
1976. Abramović je započeo suradnju s njemačkim umjetnikom Ulayem, a njih su dvoje ostali umjetnički i romantični partneri sve do 1988. godine, kada je otkrila da je bio nevjeran. 2010. Abramović je u Muzeju moderne umjetnosti priredio performans zasnovan na izdržljivosti Umjetnik je prisutan . Dva i pol mjeseca sjedila je na jednom kraju stola i pozivala gledatelje da sjednu preko puta nje i nakratko se uključe u tihe susrete. Iznenadivši Abramovića i dirnuvši je do suza, Ulay je sjeo s druge strane stola i njih dvoje podijelio dirljiv trenutak nakon više od 20 godina negovanja.
Životinjsko carstvo tnt sezona 2 datum premijere
Na slici: Marina Abramović nastupa Marina Abramović: Umjetnik je prisutan u Muzeju moderne umjetnosti 9. ožujka 2010. u New Yorku.
Getty Images 'Dragi prijatelju, ja sam crnac. Siguran sam da to niste shvatili kad ste dali / nasmijali se / složili se s tom rasističkom primjedbom ', stoji u Adrianu Piperu Moje pozivanje (kartica) # 1 od 1986. do 1990. Konceptualni i izvedbeni umjetnik, Piper je polazište za rješavanje problema s vrućim tipkama povezanih sa spolom i rasom. U njoj Mitsko biće Piper se transformirala u Crnog muškarca niže klase i prošetala ulicama Cambridgea, otkrivajući apsurdnost društvenih stereotipa.
Kao crna umjetnica svijetle puti, njezino sučeljavanje ostaje izuzetno predvidljivo i značajno danas, gurajući nas na propitivanje društvene hijerarhije i percepcije identiteta. Nedavno je Piper nagrađena Zlatnim lavom za najboljeg umjetnika 56. godineVenecijanski bijenale 2015. za svoj rad Vjerojatni registar povjerenja , koji se sastoji od kioska korporativnog izgleda u kojima su posjetitelji mogli odlučiti potpisivati ugovore pristajući živjeti prema nizu pravila koja potiču osobnu odgovornost.
Na slici: Adrian Piper prihvaća svoju nagradu Zlatni lav na 56. bijenalu u Veneciji 2015. godine.
Getty Images Brišući granice između senzualnog i grotesknog, fotorealistički rad Marilyn Minter obrađuje suvremene ideale ljepote, seksualnost i ljudsko tijelo u stilu sjajnih modnih slika. Poznata po svojim slikama na caklini i metalu, ima postupak koji se sastoji od fotografiranja na film, obrade u mračnoj sobi i prekrivanja nekolicine odabranih kako bi se stvorila potpuno nova kompozicija na kojoj će se temeljiti njezino konačno slikarstvo.
Nakon što je 1970. godine diplomirala na Sveučilištu Florida, a 1972. magistrirala u Syracuseu, Minter se preselila u New York i počela snimati nepristojne prizore povezane s ženskim domaćinstvom poput kuhinjskog poda i raznih prehrambenih proizvoda. U 80-ima fokusirala je objektiv na senzualnije teme, naime žensko tijelo i pornografiju. Njezin seksualno eksplicitni rad naišao je na široku reakciju, koja je prisilila Mintera da istraži zašto su strast, želja i intimnost - i jesu - obavijeni nelagodom u javnosti. Uključujući elemente elegantne modne i beauty fotografije i živopisne reklamne slike, Minterovo djelo suprotstavlja pojmove glamura i besprijekornosti (oslikane usne, zanosne štikle i svjetlucavi kapci) s manje poželjnim stvarnostima (znoj, pljuvanje, kosa i prljavština).
Na slici: Marilyn Minter, Crush naranče (2009), izložena u njenom studiju u New Yorku 2009.
Getty Images Cindy Sherman, važna umjetnica Pictures Generacije, skupine američkih umjetnika početkom 70-ih koja je bila poznata po svojoj analizi medijske kulture, stvara fotografske autoportrete koji kritiziraju spol i identitet. Služeći kao redateljica, šminkerica, frizerka, stilistica, manekenka, scenografkinja i fotografkinja, umjetnica se metamorfozira u složene likove i snima se u podjednako uključenim scenama.
Nakon što je pohađao Državno sveučilište u New Yorku u Buffalu, Sherman se 1976. preselio u New York kako bi nastavio fotografirati. Ubrzo nakon dolaska, počela je raditi na tome Filmovi bez naslova (1977-80), njezina danas kultna serija u kojoj se pojavljuje u nizu oblika i postavki, prikazujući ženske stereotipe pronađene u filmu i medijima, uključujući nesretna domaćica , uznemireni ljubavnik , i ranjiv naivan . Od tada se nastavila transformirati u razne likove, prisiljavajući svoju publiku na suočavanje s drugim uobičajenim stereotipima i njihovom umjetnošću.
Tijekom svoje karijere Sherman je surađivala s nizom modnih marki, uključujući Prada, Dolce & Gabbana, Balenciaga i Marc Jacobs, te s modnim časopisima, uključujući Intervju i Harper's BAZAR . 2016. godine obasjala je mjesec kao zvijezda uličnog stila za satirična značajka u Bazaar's Martovsko izdanje.
Na slici: Cindy Sherman, Bez naslova # 414 , (2003), izložen u Nacionalnoj galeriji portreta u središnjem Londonu 2016. godine.
Getty Images Rođena u Qazvinu u Iranu, Shirin Neshat preselila se u Sjedinjene Države 1974. godine kako bi studirala na Kalifornijskom sveučilištu u Berkeleyu, stekavši BA i MA iz likovne umjetnosti 1983. Ubrzo nakon diplome preselila se u New York, gdje je radila u Storefrontu za umjetnost i arhitekturu 10 godina. Tek nakon povratka u Iran 1993. godine, 14 godina nakon islamske revolucije, ona je ponovno počela stvarati umjetnost.
Poznata po svom radu u fotografiji, videu i filmu, Neshatovi projekti često istražuju razne opozicije, od islama i Zapada do muških i ženskih. Kao ona objasnio na izložbi čiji je domaćin bio Inicijativa za prikupljanje sredstava iz čl. 19 , „Oduvijek sam smatrao da bi umjetnici trebali biti politički svjesni, a u svom osobnom slučaju rođen kao Iranec, zemlja koja je narušila osnovna ljudska prava posebno od islamske revolucije, nekontrolirano sam gravitirao stvaranju umjetnosti koja se bavi pitanje tiranije, diktature, ugnjetavanja i političke nepravde. Iako se ne smatram aktivistom, vjerujem da je moja umjetnost, bez obzira na njezinu prirodu, izraz protesta i vapaj za humanošću. '
kada će izaći sljedeća sezona sedam smrtnih grijeha
Njezine prve video instalacije— Turbulentno (1998) , Zanos (1999.) , i Žestina (2000.) —Ispitani spol i društvo, posebno restriktivnost islamskih zakona prema ženama; njezin prvi igrani film, Mahdokht (2004.) , prema romanu Shahrnuša Parsipura Žene bez muškaraca, slično i tema. Neshat je za svoj rad dobila impresivan broj nagrada, uključujući Međunarodnu nagradu na Bijenalu u Veneciji 1999. i Srebrni lav za najbolju režiju na Venecijanskom filmskom festivalu 2009. godine.
Na slici: Shirin Neshat pozira u svom SoHo, njujorškom studiju 2011. godine.
Getty Images Najpoznatija po svojim slikama sličnim kolažima, Mickalene Thomas stvara živopisne portrete i detaljne interijere koji obrađuju teme uključujući seksualnost, rasu, ljepotu i spol i ispituje kako zastupljenost žena u popularnoj kulturi informira našu definiciju ženstvenosti. Korištenjem rhinestona, koji služe kao analogija za ženstvenost, Thomas skreće pozornost na određene dijelove njezinih komada (kosu, cipele itd.) I traži od gledatelja da razmotre što tipično karakterizira ženstvenost.
Inspirirana nizom pokreta, uključujući impresionizam, kubizam i dadaizam, umjetnica se u portretima često poziva na figurativni rad ranih modernista poput Pabla Picassa, Henrija Matissea i Edouarda Maneta, prikazujući svoje ženske subjekte u pozama koje su popularizirali njezini muški prethodnici. u nastojanju da potkopaju njihovo prikazivanje žena kao predmeta.
Član Pokreta umjetnosti Post-Black, kategorije suvremene afroameričke umjetnosti, Thomas je diplomirao na Institutu Pratt i magistrirao na Yale School of Art, a također se bavi fotografijom, videom, skulpturom i instalacijama.
Na slici: Mickalene Thomas pozira u Umjetničkim studijima u New Yorku 2008. godine.